Der japanische Künstler Photographer Hal erstmals in Deutschland

Opening 28. April 2023., Galerie ARTOXIN MUC

Artist Talk 29. April 15 Uhr

Bei den Fotosessions des japanischen Künstlers Photographer Hal bekommt das Wort Nähe eine ganz neue Dimension: Ein engumschlungenes Paar wird in durchsichtige Folie einwickelt und dann vakuuminiert. Dem eingewickelten Paar wird der Sauerstoff entzogen, knapp 10 Sekunden lang ist es unfähig zu atmen. Eine Art Nahtod-Erfahrung, die ein hohes Maß an Vertrauen zum Künstler voraussetzt. Bei diesem Motiv geht um die (Wieder-) vereinigung von Mann und Frau – zwei Liebenden – zu Einem. Der Schöpfungsprozess in der Umkehrung. Es dauert nur einen kleinen Augenblick und wird in einem Foto verewigt.

Haruhiko Kawaguchi, alias Photographer Hal, geboren 1971 in Tokio, studierte zunächst in seiner Heimatstadt. Auf der Suche nach Begegnungen mit möglichst vielen Menschen unterschiedlicher Herkunft, bereiste er den Mittleren Osten und Indien und entdeckte so seine Liebe zur Fotografie. Mit Hilfe der Kamera überwand Hal nicht nur Sprachbarrieren sondern, wie er selbst sagt, seine eigene Schüchternheit. Nach Studienabschluss arbeitete er in der Werbung und in der Modefotografie. Dabei rückte der Mensch selbst immer stärker in den Fokus seiner Arbeit.

Die Folie (biologisch abbaubar und mehrfach verwendet) setzt der japanische Künstler ein, um die maximale Nähe der Personen erlebbar zu machen: Sie umschlingt die Modelle lückenlos und ermöglicht es gleichzeitig dem Betrachter, an diesem Augenblick der Nähe teilzunehmen. Diese extreme Form der Bindung zweier Liebenden aneinander – so der Künstler in einem Interview – zeige sein eigenes Verlangen nach tiefen Beziehungen.

Allein der Anblick der vakuuminierten Menschen lässt einen tief Luft holen. Unser Bedürfnis frei atmen zu können ist nicht erst seit der Pandemie ein zentrales Thema. Hal hat mit seinen Arbeiten der vergangenen Jahre in fast beängstigender Weise eine menschliche Konstellation vorweggenommen, die bislang nur als künstlerische Performance stattgefunden hat. So zum Beispiel bei einem Motiv aus der Fotoserie ‚Flesh Love All‘, das ein vakuuminiertes Paar vor seinem ebenfalls mit Plastikfolie bedecktes Zuhause zeigt. Hal macht die Verbundenheit zweier Menschen sichtbar und gleichzeitig die Bindung dieser Einheit an ihre unmittelbare und weitere Umgebung: mit allen Sehnsüchten genauso wie mit Ängsten angesichts globaler Herausforderungen und Bedrohungen. Die Szene wirkt merkwürdig surreal, die Folie wie eine ganzheitliche Schutzhülle eines abgeschirmten, privaten Areals, in das keine Gefahr eindringen kann, der Wunsch des Individuums nach Sichtbarkeit und Teilhabe aber bestehen bleibt.

Mit Beginn der Pandemie stiegen die Anfragen an den Künstler, die kostbare Intensität der Zweisamkeit zu feiern und mittels einer Fotosession zu manifestieren; die Nachfrage hält ungebrochen an. Dabei fungiert die Folie nicht als ein trennendes, sondern als verbindendes Element zwischen Individuum und Umwelt, weil der Künstler nicht verhüllt oder abgrenzt. Das verwendete  Material weckt Assoziationen zum embryonalen Zustand: Eine schützende Folie, ähnlich der Fruchtblase – wäre da nicht die Atemnot; aber auch darum geht es bei der Arbeit des Künstlers: die Co-Existenz von Leben und Tod, von Unschuld und Gefahr.

FLESH LOVE ALL, Galerie ARTOXIN,

28. April 2023, 18-21 Uhr, Eröffnung

29. April 2023, 15 Uhr, Artist Talk,

Kontakt Galerie ARTOXIN, München & Galerie Nischke München

In der Bundeskunsthalle Bonn

Die Bedeutung von Kleidung und Mode im Laufe der menschlichen Existenz, der Nutzen und die Lust, Beides bewusst einzusetzen, die Freude und auch die Macht, die von ihr ausgeht – darum geht es in der Ausstellung DRESSCODE aus Kyoto, Japan.

Nur zu gern taucht man ab in den Sog opulenter Modelle aus den großen Modehäusern der Welt, die wie immer zum Träumen verführen, und doch vor Augen führen, in welcher Weise Mode bzw. Modetrends instrumentalisieren können.

Leider wiederholen sich die Informationstafeln – zumindest für modeaffine Besucher*innen – in der Feststellung, dass dies oder jenes ursprünglich funktionale Kleidungsstück sich mittlerweile längst in der Modewelt etabliert hat (Marlon Brandos Lederjacke, das Schottenmuster, der Trenchcoat, die Jeans….). Interessant wird es bei der kritischen Auseinandersetzung mit Mode und der ihr innewohnenden Macht (#me too, #Genderfluidität, #genderneutral, # genderlessfashion.)

Spannend die Trends, die sich in Japan entwickelt haben: hierzulande eher unbekannt, das ‚Juliana’s-Phänomen'(https://en.m.wikipedia.org/wiki/Juliana%27s) ), das den Hype für junge Mädchen bezeichnet, die sich für einige Zeit in der angesagtesten Disco unter die wohlhabende (männliche) Geschäftswelt mischten – immer in dem für sie typischen Kleidungsstil. Oder „die schlafenden Schönheiten“ – auch bekannt als Gummipuppen, die aber eben längst als stille Mitbewohnerinnen des täglichen Lebens etabliert sind. Ebenso zu sehen die Auseinandersetzung japanischer Künstler mit dem Thema Mode. Hervorzuheben sind die beeindruckenden Portraits des japanischen Fotografen #Keizo Motoda. Sie scheinen leicht und viel gesehen, aber Motoda spiegelt mit seinen Schwarz/Weiß-Fotografien eindrücklich die Emotionen und Ambitionen der Modelle. Dies sind teils ’normale‘ Menschen, teils die, die sich bewusst vom Mainstream Japan absetzen.

Nachhaltigkeit und „Schicksale hinter der Mode“…….

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Die Ausstellung bleibt in ihrem Konzept – gemäß dem Titel – meist: spielerisch. Zurück zu den Modeaffinen: Die gehen wie immer in die Knie angesichts vergangener, – aber nie überholter – und großartiger gegenwärtiger Modeschöpfungen !

CHANEL / Karl Lagerfeld,
Day Ensemble,
Autumn/Winter 1990
Collection of The Kyoto Costume Institute,
photo by Takashi Hatakeyama

Julia Heuer
Jack Trousers and Rana Top in Ernst,
Spring/Summer 21
Photo by Studio Julia Heuer

MAISON COMMON / Rieke Common
Lederjacke, Seidentop, Nietengürtel, Boho-Rock and Iro,
Fall/Winter 20/21 „Pretty in Punk“
Photo by Florian Deventer

Dead White Mens Clothes / Jojo Gronostay
T-Shirt, Jeans, Hair Bleach Project, 2020
Photo by Jojo Gronostay

https://www.bundeskunsthalle.de/dresscode.html

Eine Ausstellung des National Museum of Modern Art, Kyoto und des Kyoto Costume Institute in Kooperation mit der Bundeskunsthalle. Noch bis zum 12. September 21.

Kurz vor dem zweiten Lockdown in diesem ungewöhnlichen Jahr kamen wir durstig nach Austausch und vor allem Kunst zur Münchner Praterinsel. MPE (Media Projects Events) hatte den Networking Abend ‚Exklusive ART‘ auf die Eröffnung der ARTMUC 2020 gelegt. Der Innenhof der Praterinsel gab den Teilnehmern genügend Raum zum kennenlernen, wiedersehen und austauschen. Ich war ein unruhiger Networker zu Beginn, es zog mich zu sehr in die drei Ebenen Ausstellungsfläche auf denen ein breites Bild zeitgenössischer Kunst präsentiert wurde. Was für ein willkommenes Abtauchen mit den Kunstobjekten, den Galerien und den Künstlern selbst ! Als wenn alle den nächsten Lockdown gespürt hätten, die erneute Barriere, die in 2020 schon so viele Gelegenheiten zum connecten und der Begegnung mit Kunst verhindert hat. Covid wurde natürlich auch durch das eine oder andere Werk präsent – mal verhalten, mal offensichtlich.

Die Frage nach Eigenbestimmung und Bedrohung aber auch die Bedeutung des Alltäglichen spiegelten sich in unterschiedlichen Darstellungsformen wider.

Daniel Wimmer fängt bewusst ganz alltägliche Szenen ein und verleiht ihnen eine expressive Ausdruckskraft. Hier spiegelt sich eine flächendeckende Facette der Pandemie – die Alltäglichkeit in ihrer Bedeutung – und die Bilder bekommen eine ungeahnte Aktualität.

Covid verändert den Blick des Betrachters, auch auf der ARTMUC und auch wenn die Kunstwerke lange davor entstanden sind. Durch die Rezeption des Publikums lebt eine Kunstmesse, durch die sich wandelnde Perspektive des Publikums bleiben Werke lebendig und bedeutsam, gelangen die Werke und damit die Künstler*innen aus dem Ausstellungsbereich hinaus. Eine besondere challenge, sich dem aktuellen Zeitgeist zu stellen, herausfordernd für die Kunstschaffenden, das Publikum und für die Organisatoren grosser Messen.

Fotos: GvA

…zum zweiten Mal

Die Bundeskunsthalle in Bonn zeigt eine Retrospektive

…die man mehrmals sehen sollte

Diesen Künstler schafft man nicht bei einem Besuch – nicht umsonst wird er als „einer der einflussreichsten, vielseitigsten und produktivsten Künstler seiner Generation“ beschrieben.

Kippenbergers Leben (1945-1997) und Schaffen war bestimmt von der Gleichzeitigkeit. Er setzte sich auseinander mit dem Leben und der Kunst – der Kunstwelt, dem Kunstmarkt, anderen Künstlern, der Politik und der Gesellschaft. Das alles war seine Inspiration. Kippenberger lebte in und aus dieser Auseinandersetzung, er (er)lebte Anerkennung und Kritik und war gleichzeitig ein Teil davon. ‚Leben‘ in zweierlei Hinsicht, denn in dem intensiven Maße, wie Kippenberger nahezu alles Aktuelle wahrgenommen und verarbeitet hat, kann man sich sein Leben ohne Aussenwelt nicht vorstellen. Wie ein Kaffeefilter hat er Zeitgeschehen, Menschen und Phänomene aufgesaugt und in einem fortwährenden Prozess kreativ umgesetzt; Um anschließend widerum künstlerisch auf Kritik zu reagieren. Und sich auch mal selbst in die Ecke zu stellen…

Sympathien oder Antipathien aussen vorgelassen, bleibt Kippenberger extrem fordernd durch die Vielfalt seiner Darstellungsformen und thematischen Hintergründe, die von der Frage nach der Funktion des Kunstmarktes über die RAF bis hin zu den psychischen Auswirkungen übertriebener väterlichen Autorität reichen, wie bei der Bildserie zu Daniel Paul Schreber https://de.m.wikipedia.org/wiki/Daniel_Paul_Schreber

Kippenberger provoziert und bringt den Betrachter in eine Kommunikation. Er provoziert, stellt Fragen, gibt Antworten und reagiert auf sein Umfeld und dessen Wahrnehmung. Kippenbergers Kunst beinhaltet fast ein Versprechen, den Austausch nicht abreißen zu lassen. Wahrscheinlich ist seine Kunst deshalb so spannend.

Martin Kippenberger Bitteschön Dankeschön. Eine Retrospektive, 1.11.2019 – 16.2.2020, https://www.bundeskunsthalle.de